Uma nova novela gráfica tenta
representar os sons, assim como as histórias, do "cara complicado" Miles Davis."
Dave Chisholm parece estar em uma posição única para escrever uma
novela gráfica sobre Miles Davis.
Ele não é apenas um cartunista aclamado, com vários títulos de ficção
científica e detetive em seu currículo, bem como uma graphic novel sobre Charlie
Parker, mas também é um trompetista de jazz treinado que é obcecado pela
música de Davis desde a adolescência.
"Ele sempre foi uma Estrela do Norte artística para mim", diz Chisholm, de sua casa em Rochester,
Nova York. "Eu estava ouvindo seus
álbuns de quinteto, como 'Miles Smiles',
no ensino médio, o que me fez aprender a tocar trompete. Eu estava
constantemente pintando imagens de Miles na minha adolescência. Então, este
projeto realmente é um sonho se tornando realidade."
O livro 'Miles Davis And The Search For The Sound' começa com Davis se recuperando de um derrame nos
anos 70, incapaz de tocar o trompete e sendo aconselhado por sua equipe médica
a tentar desenhar. "Isso foi um
dispositivo útil de enquadramento", diz Chisholm, o músico tendo que se expressar visualmente.
“Outra abordagem foram as citações de Miles sobre ver cores enquanto toca. Um desafio importante foi como
representar o som de seu trompete: percebi que tinha que ser uma figura etérea
e humanoide que altera sua forma. Sua forma de tocar é tão humana, tão
cantável: tem uma qualidade vocal que parecia ser uma pessoa."
A maioria das citações do livro é
retirada de entrevistas e da autobiografia de Davis, mas Chisholm não
queria criar um documentário 'seco'. 'Abordei
o projeto de um ponto de vista acadêmico, mas não é um livro de história - é
investigativo, subjetivo e impressionista.
E eu não queria ficar limitado a recriar fotografias existentes - eu
queria a liberdade de extrair imagens da minha imaginação. O emocionante para
mim é criar som em um meio silencioso."
Durante todo o livro, as
ilustrações de Chisholm correspondem
à música. "Tento não ser muito
literal, mas não consigo deixar de seguir a forma. Se você ouve a trilha sonora
de 'Ascensor para o Cadafalso', é muito contida e simplificada, então tive que
simplificar a arte no capítulo correspondente de volta e simples.
Em seguida, o próximo capítulo é sobre 'Sketches Of Spain', então as imagens estão cheias de detalhes.
Depois passamos para o quinteto com Tony
Williams e Herbie Hancock -
estou tentando capturar a ESP com a qual esse quinteto se comunicava
musicalmente, então minhas imagens são como as de Picasso, cheias de formas
geométricas entrelaçadas." E quando Miles
parte para o elétrico, Chisholm nos
pinta uma explosão psicodélica de cores e formas irregulares."
Este é um projeto oficial, com a
bênção do espólio de Miles Davis (no
prefácio, seu filho mais novo, Erin,
escreve que é 'algo que Miles teria
adorado ver'). Mas eles não tentaram influenciar a visão de Chisholm. 'Havia muitas coisas sombrias em sua vida, e estou grato que sua família
não me pediu para evitar isso. Eles ficaram felizes por eu apresentar este
retrato de um cara complicado e problemático. Mas também é uma grande honra
trabalhar com esta família e ser incumbido dessa responsabilidade de contar
esta história notável." - JOHN
LEWIS.
Texto original publicado na revista
Uncut em Dezembro de 2021, publicação na qual falam de uma apresentação ao vivo
com o saxfonista John Coltrane que acabava de lança o seu disco mais importante
“A Love Supreme” (1965), e por sorte , a hipnótica apresentação foi gravada por um dos
operados de áudio da rádio que transmitia a performance tão impactante quando o
disco em si.
Abaixo uma adaptação:
"Vendo a Luz: Ouro
Arquivístico do Jazz, com uma Abordagem Espaçosa e Inspiradora da Obra-Prima de
Coltrane. Por John Robinson."
"Ele era grande e gentil,
relatou o Melody Maker, muito
diferente de sua música. Em vez de estar ocupado e animado, o John Coltrane que recebeu o músico e
escritor Mike Hennessey em um quarto
de hotel francês era tranquilo, devocional e calmo. Ele ensaiou sua música sem
constrangimentos por uma hora. Ele comeu uma refeição de gemas de ovo, sopa,
pêssegos e água, e falou sobre "redescobrir" Deus.
Suas águas calmas escondiam
correntes fortes. Um mês antes, Coltrane
e um elenco de 10 músicos adicionais haviam gravado de forma livre o álbum "Ascension",
uma explosão feroz baseada em um simples chamado blues. Na noite anterior,
enquanto isso, Coltrane e seu
quarteto haviam desconcertado a plateia no Festival de Jazz de Antibes ao tocar a peça "A Love Supreme" na íntegra,
empurrando seus limites e ultrapassando-os com mais 15 minutos exploratórios. A
plateia e os organizadores, esperando sofisticações polidas, se viram
testemunhando uma busca contínua.
"A Love Supreme" foi gravado em 9 de dezembro de 1964. Em outro
canto do mundo da música, Ringo Starr
estava no hospital se recuperando de uma amigdalite, enquanto Coltrane e seu quarteto - Elvin Jones (bateria), McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison (baixo) - em uma sessão
criaram uma suíte de jazz que esperava reconhecer e agradecer a Deus pela
orientação. A peça é construída em torno de um tema recorrente de quatro notas
murmurado pelo grupo e, em seguida, parte para uma jornada que parece
espiritual, mas também sazonal.
Algo substancial é plantado no
Lado Um ("Acknowledgement"/"Resolution") e isso então floresce
de maneira mais livre e abrangente no toque em grupo do segundo lado ("Pursuance"/"Psalm"). Era uma peça composta,
séria desde o gongo de abertura até a nomenclatura eclesiástica. Tudo, desde os
solenes Coltranes dublados em "Acknowledgement", até a expressão
indagadora do líder na capa, o fixa em nossas mentes como uma entidade
completa: um álbum clássico.
No entanto, as ações de Coltrane sugeriam que a música era um
começo, não um fim. No estúdio, ele experimentava: tentando uma versão de
"Pursuance" com Archie Shepp e o baixista Art Davis expandindo a banda.
Aquela versão não vingou, mas em
suas notas de capa, Coltrane disse
que esperava poder dar continuidade ao trabalho que foi iniciado aqui. Não
houve apresentações repetidas da música nem residências teatrais de "A Love Supreme" onde a banda se
esforçou ao máximo para maximizar as vendas. Em vez disso, Coltrane foi guiado muito mais por sua própria intuição, pelo que
ele sentia que era certo para o público.
De fato, em sua segunda noite em Antibes, Coltrane respondeu ao clima e tocou um conjunto mais enraizado em
músicas que agradavam à multidão, voltando a "My Favourite Things" e "Impressions". Por um longo tempo
"A primeira apresentação em Antibes na primeira noite foi
considerada a única gravação ao vivo de 'A
Love Supreme'. Agora se descobre que alguns meses depois, em 30 de setembro
de 1965 - na mesma sessão de gravação do lançamento póstumo de 1971 'Live In Seattle' - Coltrane tocou 'A Love
Supreme' novamente. A apresentação, realizada no clube SeattlePenthouse diante
de uma pequena plateia para o programa de jazz regular de quinta-feira à noite
de Jim Wilke na rádio local, soa
mais como música da parte posterior da década de 1960: executada por músicos em
dashikis, não em ternos.
A banda é ampliada (o quarteto é
acompanhado pelo baixista/flautista Donald
Garrett e pelo saxofonista Pharoah
Sanders), mas também a música, como se janelas adicionais tivessem sido
instaladas em um edifício já espaçoso e sereno.
Quatro interlúdios,
principalmente com duelos de baixos mais o ocasional sino de oração,
proporcionam uma visão adicional da espiritualidade. Elvin Jones fornece um balanço clássico e engenhoso durante toda a
apresentação, mas um novo senso de informalidade ao nível do tapete permeia a
música.
A percussão é sacudida durante os
20 minutos de 'Acknowledgement'. Os
acordes de McCoy Tyner flutuam à
vista. A performance de Coltrane
responde ao clima com contribuições relativamente beatíficas, permitindo a Pharoah Sanders espaço para falar em
línguas mais vigorosas. Chegando aos 15 minutos de tratamento de 'Pursuance', o solo de Tyner esclarece as semelhanças e
diferenças.
Ainda é uma música com muita
virtuosidade e muitas notas, mas ela e seus músicos estão vivendo sua
adaptabilidade, como a evidência revela tudo o que acreditávamos anteriormente
que essa composição fosse, uma confluência de improvisação livre e o que
posteriormente se tornou o 'jazz espiritual'.
No final da sessão, pode-se ouvir
um trecho de conversa. "Acho que é isso..." "... Melhor que
seja." Talvez inevitavelmente, no entanto, isso não foi o fim da busca de Coltrane, nem mesmo para essa semana.
No dia seguinte a esse show, ele
levou seus músicos da noite anterior (acrescentando Joe Brazil, que gravou o show) para o estúdio do baterista de
música country e western de Seattle, Jan
"Kurtis" Skugstad. Eles gravaram uma sessão lançada após a morte
de Coltrane, o álbum 'Om', que apresenta um cântico do Bhagavad Gita
O DJ de rádio Jim Wilke relembra o concerto.
Como você estava nesse show?
Eu estava na estação de rádio KING-FM em Seattle, trabalhando em várias programações, divulgada como uma
'mostra das artes vivas'. Uma das atrações era uma transmissão ao vivo semanal
de um clube chamado Penthouse. Era
um espaço longo e estreito, o palco à esquerda ao entrar, com um degrau elevado
e teto espelhado sobre o palco. Basicamente, era destinado a assentos em torno
de mesas de coquetel.
Como foi a apresentação?
Coltrane nunca falou com a plateia, ele simplesmente
ficava de pé e tocava. Quando fiz a introdução ao vivo, e Pharoah Sanders fez os primeiros sons, ele estava rangendo e
chiando, e eu me virei para ele e disse: 'Cara, eu não sei o que você está
fazendo, mas estamos no ar.' Eles estavam tocando, e Coltrane veio até onde eu estava mixando e fez um sinal para os
fones de ouvido. Ele acenou a aprovação e me disse: 'Isso provavelmente vai
durar mais de 30 minutos.”
O que você achou da performance?
Tanto eu quanto muitos na plateia esperávamos mais daquela faceta de John Coltrane do que a que eles viram.
Eles ficaram meio atordoados. Foi minha primeira experiência com jazz livre ao
vivo, e eu ainda estava tentando entender. Acho que muitas pessoas também
estavam.
A gravadora Blue Note
anunciou uma nova edição especial do álbum Blue
Train (1958) de John Coltrane (1926
— 1967) intitulada “Blue Train: The
Complete Masters”para o dia 16
de setembro de 2022.
O Lançamento é em homenagem ao aniversário de 65 anos do lançamento do álbum original. A
edição terá formatos em vinil, CD e streaming além de um box especial que contém
um livro com fotos inéditas da gravação do disco durante a década de 1950
feitas pelo fotógrafo Francis Wolff (1907
– 1971), que registrou tanto John
Coltrane quanto Miles Davis durante
o período de ouro do jazz.
“Blue Train: The
Complete Masters” apresentas takes alternativos de faixas famosas como “Blue
Train”, "Moment's Notice" e "Lazy Bird". O trabalho nessa
remasterização foi feita por Joe Harley
e Kevin Gray a partir das fitas masters
analógicas originais.
“—Poucas experiências de estúdio que tive, podem se comparar
com a emoção de ouvir as fitas master originais – mono, estéreo e tomadas
alternativas – de Blue Train—”,
disse Harley em um comunicado. “ —Considero essas duas novas versões as edições
definitivas desta obra-prima de John
Coltrane.—”
Exímio músico com uma excelente técnica de improviso, John Coltrane (1926 -1967) fez parte de uma geração de artistas que contribuíram para uma mudança significativa no meio musical, muito desse mérito, por levarem o que criaram para um patamar até então não explorado. As suas composições, não subverteram a música em si, mas apresentaram trabalhos com uma qualidade inédita e surpreendente, que até hoje gera um grande fascínio em seus ouvintes.
Em 1965 quando lançou o LP A Love Supreme, Coltrane foi transformado em um gigante do jazz, o saxofonista já tinha o seu nome prestigiado entre os músicos e público. Devido ao seu talento, passou pelo cultuado Miles Davis Quintet (1955 – 1969) do qual ficou por dois anos, chegando a participar do essencial Kind of Blue (1959). Em carreira solo, assinou contrato com importantes gravadoras como: Prestige, Atlantic, Blue Note e Impulse!. Essa última, da qual ficou até o encerramento de suas atividades. E gravações inéditas desse período, merecem todo destaque.
Both Directions At Once: The Lost Album (Impulse! CD/Vinil e streaming) não é um trabalho conceitual ou muito menos planejado, mas o disco é um verdadeiro achado. As fitas originais foram perdidas, e o que sobrou, são cópias em mono que foram registradas no dia 6 de março de 1963, no estúdio RudyVan Gelder (Nova Jersey – EUA), localmuito usado pelas gravadoras Blue Note, Prestige entre outras.
No disco o que se ouve, é um belo registro de um conjunto de músicos em seu ápice sonoro e virtuosidade, no qual o improviso e a forma livre são o fio condutor de todas as faixas. Porém o registro é um trabalho cru, quase sem tratamento de pós-gravação, se assemelhando a um rascunho para um álbum mais acentuado, mas apesar do time de músicos serem de primeira, o resultado final é bruto. Mesmo não tendo o acabamento necessário e soando rústico, o que se escuta é praticamente sublime.
Coltrane e sua banda formada pelos músicos McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison (baixo) e Elvin Jones (bateria), desfiram uma grandiosidade técnica fazendo do álbum verdadeiro deleite. Oferecendo ao ouvinte um exemplo de integridade harmoniosa e uma ampla habilidade sonora, sem cair em redundâncias. Acompanhamos esse grupo exibindo sem filtros todo o talento e competência do que produziam no palco.
Há a interpretação da música “Nature boy” gravada por Nat King Cole;uma versão de “Vilia” do disco Live at Birdland (1964); takes alternativos de “Impressions” (1961) e “One Down, One Up” do álbum Live at the Half Note (1965), faixas já conhecidas de gravações ao vivo, que aqui se encontram mais robusta. Entre as 14 músicas, temos a longa “Slow Blues” que possui a maior variedade de peripécias e precisão. A conexão entre os músicos é caprichada, quase espiritual.
The Lost Album é John Coltrane em estado natural. Fica difícil fazer um destaque adequado, já que se trata de um dia de gravação com faixas avulsas. Mesmo sem ter viés próprio, é divertido escutar esse arquivo até então desconhecido. Principalmente na época em que esses artistas se encontravam e sua melhor fase, tanto musical quanto técnica. E não deixando nenhuma dúvida, que JohnColtrane foi um músico de talento insubstituível.
O trompetista americano Miles Davis (1926-1991) é considerado por muitos músicos, críticos e especialistas em música, como um dos artistas mais influentes que já apareceram na face da terra, além de ter ajudado a ampliar as mudanças que o ocorreram no jazz a partir da década de 1950.
Muito desse mérito se deve ao caráter inovador que Miles possuía, em conjunto com o seu aprimoramento sonoro do qual manteve até ao fim de sua profissão nos anos de 1990.
Como o artista possui uma carreira extensa e extremamente prolifera, fica difícil destacar qual o trabalho mais significativo que ele produziu por quase 50 anos de atividade. Já que quase todos os álbuns gravados, foram indiretamente trabalhos que refletiam as mudanças que estavam ocorrendo no meio musical no momento em que foram produzidos.
Para sanar essa dúvida, ou simplesmente gerar mais debate, o usuário chamado Steve Henry, criou em uma rede de serviço de música Online, uma playlist contendo todos os álbuns e gravações oficiais que Miles Davis criou durante a sua vida artística. Todas as músicas estão em ordem cronológica de produção/lançamento.
Na compilação o que temos no total são cerca de 65 horas de músicas contínuas com 569 faixas. Nessa lista foram incluídos os EPs e Singles, versões em mono, relançamentos, edição em 78 rotações e gravações remasterizadas.
O bacana de ouvir essa coleção é perceber que Miles já se preocupava com a qualidade de suas músicas, mesmo tendo os recursos primários de gravação no início de sua carreira e acompanhar com o passar do tempo, a sua dedicação em sempre aperfeiçoar o seu talento, que o transformou posteriormente em um exímio compositor.
A gravadora independente britânica Far Out Recordings,
especializada em música brasileira, anunciou via facebook, o lançamento
de seu 200º álbum, e para comemorar essa data especial, confirmaram a
edição de um disco inédito do multi-instrumentista Hermeto Pascoal
chamado “Viajando Com O Som”.
Esse novo trabalho de Hermeto, é uma gravação realizada no ano de 1976 no estúdio Vice-Versa de Rogério Duprat (1932 – 2006) localizado na cidade de São Paulo. E nessa “fita” tem a participação dos músicos: Zé Eduardo Nazario (bateria), Zeca Assumpção (baixo) e Lelo Nazario (piano elétrico), os saxofonistas Mauro Senise, Raul Mascarenhas e Nivaldo Ornelas, Toninho Horta (guitarra) e Aleuda Chaves.
Hermeto decidiu fazer esse “documento”, após uma apresentação no Teatro Bandeirante (SP), da qual a performance durou horas a fio, e sem quebra de ritmo ou pausa. O músico então enxergou uma espécie de conexão espiritual
com os integrantes, e percebeu o potencial artístico de cada um.
Hermeto identificou que com essa equipe talentosa, poderiam criar novas
composições sonoras que alcançassem um “nível mais alto”, tanto em suas
estruturas musicais quanto em seus improvisos.
A gravação original foi perdida, mas havia uma cópia feita pelo
engenheiro de som que participou dessa “Jam Session” a pedido do
pianista Lelo Nazario. Esse registro permaneceu
escondido por mais de quarenta anos no estúdio do músico, e só agora
essa fita foi recuperada e restaurada.
“Viajando Com O Som”, preenche o vazio deixado de
uma das fases mais proliferas e produtivas que Hermeto Pascoal já teve.
Um dos poucos músicos a criar uma linguagem musical própria com um
radicalismo típico de um período experimental. Além de afirmar a década
de 1970, como uma das fases mais douradas e ricas que a música
brasileira já produziu.
O disco está em pré-venda pelo site oficial da gravadora, e tem data de lançamento para 03 de novembro de 2017.
"Aos 81 anos, quase 70 de carreira, João Donato se inventa mais uma vez.
DONATO ELÉTRICO é seu novo álbum, totalmente inédito (seu primeiro de composições inéditas em quase 15 anos), cheio de ideias novas e produzido à moda antiga.
Tocando intensamente instrumentos como o piano elétrico Fender Rhodes e sintetizadores e teclados analógicos, acompanhado de músicos centrais da cena contemporânea de São Paulo, Donato abraça a sonoridade de discos clássicos dos anos 70 como "A Bad Donato" e "Donato/Deodato" para encontrar sons diferentes de todos seus discos anteriores. Donato Elétrico foi gravado em 2015, com participaçãode músicos como Guilherme Kastrup, Marcelo Dworecki, Décio 7, Douglas Antunes, Bruno Buarque, Zé Nigro, Gustavo Ruiz, Laércio de Freitas, em estúdios como Traquitana, Minduca e Navegantes, produzido por Ronaldo Evangelista e mixado por Victor Rice."
João Donato, Fender Rhodes, Clavinet, Farfisa, Moog, Pro-One Com:Décio7, bateria; Marcelo Dworecki, baixo; Mauricio Fleury, guitarra; Guilherme Kastrup, percussão; Bruno Buarque, bateria; Zé Nigro, baixo; Gustavo Ruiz, guitarra; Marcelo Cabral, arranjo de cordas; Mauro Refosco, percussão; Beto Montag, vibrafone;Aramís Rocha, violino; Robson Rocha, violino; Daniel Pires, viola; Renato de Sá, violoncelo; Cris Scabello, guitarra; Richard Fermino, clarone; Anderson Quevedo, flauta; Cuca Ferreira, sax barítono; Douglas Antunes, trombone; Daniel Nogueira, sax tenor; Daniel Gralha, trompete; Gustavo Cecci, percussão, Rômulo Nardes, percussão; Laércio de Freitas, arranjo de cordas.
Ficha técnica:
Produzido por Ronaldo Evangelista Produção Executiva de Emilie Bloch e Tatiana Dascal/Agogô Cultural Gravadoem São Paulo em fins de janeiro e entre junho e agosto de 2015 por CrisScabello no Estúdio Traquitana, exceto Rhodes, Moog, Clavinet, baixo, bateria em “Soneca do Marreco” e “Frequência de Onda” gravados por Fernando Narcizo, Bruno Buarque e Cris Scabello no Estúdio Minduca; Clavinet em “Resort” e voz em “G8” gravados por Zé Nigro no Estúdio Navegantes; percussões em “Resort”, “Tartaruga”, “Here's J.D.”, “Combustão Espontânea” e “Espalhado” gravadas por Guilherme Kastrup no Estúdio Toca do Tatu; guitarra em “Soneca do Marreco” gravada por Gustavo Ruiz no Estúdio Brocal; e vibrafone e percussões em “Here's J.D.” e “G8” gravados por Mauro Refosco no Estúdio SuperLegal, NY. Mixado por Victor Rice no Estúdio Copan, SP. Masterizado por Felipe Tichauer no Estúdio Red Traxx Mastering, Miami. Fotografia de Caroline Bittencourt Projeto Gráfico de Rodrigo Sommer
