O meio artístico sempre prega
alguma surpresa quando se está muito distraído ou simplesmente quando existe certa
estagnação dentro do próprio cenário, seja ela qual for. E a quebra dessa
monotonia quando acontece, é recebida com louvores e bons elogios. Em um
momento no qual há uma imensa quantidade de música sendo produzida em qualquer
lugar do mundo e espalhada pela internet, fica difícil destacar um artista,
devido a grande oferta que se encontra.
A banda Wet Leg, original da Ilha de Wight
na Inglaterra,é o grupo que faz essa
“quebra” na falta de variações. Com um disco cheio de ironia, seguindo a linha
do rock alternativo da década de 1990 ( Elastica
e The Breeders são influências
diretas) e com letras bem humoradas em conjunto com a caprichada e criativa
produção de seu primeiro disco, a dupla formada por Rhian Teasdale e Hester
Chambers chamaram a atenção não só de um público mais novo, mas
principalmente da geração mais conservadora dentro do rock.
O seu primeiro disco que leva o
nome da banda (Domino - 2022, CD, Vinil, Streaming e download), é recheado de
faixas que abordam temas que variam entre festas sem muita animação e as
eternas desilusões amorosas, além do sutil humor inglês que permeia todo o
álbum, que dura 43 minutos.
Com essa pegada bem simples,
porém caprichada, acabou rendendo dois Grammys
– de melhor álbum de música alternativa e de melhor performance por “Chaise Longue”.Com isso chamaram a atenção de grandes
festivais como o Coachella (EUA), Montreux Jazz Festival (CH),a dupla também excursionou com Harry Sytles, abrindo para o artista
nos shows pela Europa em 2023, além de outros inúmeros festivais com participações em
rádios e TV.
As meninas agora se apresentam no
Brasil pela primeira vez, através do festival The Twon, abrindo para já veterana banda americana Garbage, em sua terceira visita em
terras tupiniquins. Quem for assisti a ambos grupos, podem desfrutar de dois
perfis de artistas um tanto diferentes. Garbage
apareceu na metade da década de 1990 fazendo uma mistura de rock alternativo dançante
com letras cheias de indiretas e as novatas do Wet Leg com o seu estilo de garagem rock com farra juvenil e em
músicas que falam de desamores e curtição.
Apesar da lista dos artistas do
festival serem diversa, fica o destaque para duas bandas, que cada uma em seu
tempo, fizeram um trabalho que se destaca a originalidade e o carisma.
Texto original publicado na revista
Uncut em Dezembro de 2021, publicação na qual falam de uma apresentação ao vivo
com o saxfonista John Coltrane que acabava de lança o seu disco mais importante
“A Love Supreme” (1965), e por sorte , a hipnótica apresentação foi gravada por um dos
operados de áudio da rádio que transmitia a performance tão impactante quando o
disco em si.
Abaixo uma adaptação:
"Vendo a Luz: Ouro
Arquivístico do Jazz, com uma Abordagem Espaçosa e Inspiradora da Obra-Prima de
Coltrane. Por John Robinson."
"Ele era grande e gentil,
relatou o Melody Maker, muito
diferente de sua música. Em vez de estar ocupado e animado, o John Coltrane que recebeu o músico e
escritor Mike Hennessey em um quarto
de hotel francês era tranquilo, devocional e calmo. Ele ensaiou sua música sem
constrangimentos por uma hora. Ele comeu uma refeição de gemas de ovo, sopa,
pêssegos e água, e falou sobre "redescobrir" Deus.
Suas águas calmas escondiam
correntes fortes. Um mês antes, Coltrane
e um elenco de 10 músicos adicionais haviam gravado de forma livre o álbum "Ascension",
uma explosão feroz baseada em um simples chamado blues. Na noite anterior,
enquanto isso, Coltrane e seu
quarteto haviam desconcertado a plateia no Festival de Jazz de Antibes ao tocar a peça "A Love Supreme" na íntegra,
empurrando seus limites e ultrapassando-os com mais 15 minutos exploratórios. A
plateia e os organizadores, esperando sofisticações polidas, se viram
testemunhando uma busca contínua.
"A Love Supreme" foi gravado em 9 de dezembro de 1964. Em outro
canto do mundo da música, Ringo Starr
estava no hospital se recuperando de uma amigdalite, enquanto Coltrane e seu quarteto - Elvin Jones (bateria), McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison (baixo) - em uma sessão
criaram uma suíte de jazz que esperava reconhecer e agradecer a Deus pela
orientação. A peça é construída em torno de um tema recorrente de quatro notas
murmurado pelo grupo e, em seguida, parte para uma jornada que parece
espiritual, mas também sazonal.
Algo substancial é plantado no
Lado Um ("Acknowledgement"/"Resolution") e isso então floresce
de maneira mais livre e abrangente no toque em grupo do segundo lado ("Pursuance"/"Psalm"). Era uma peça composta,
séria desde o gongo de abertura até a nomenclatura eclesiástica. Tudo, desde os
solenes Coltranes dublados em "Acknowledgement", até a expressão
indagadora do líder na capa, o fixa em nossas mentes como uma entidade
completa: um álbum clássico.
No entanto, as ações de Coltrane sugeriam que a música era um
começo, não um fim. No estúdio, ele experimentava: tentando uma versão de
"Pursuance" com Archie Shepp e o baixista Art Davis expandindo a banda.
Aquela versão não vingou, mas em
suas notas de capa, Coltrane disse
que esperava poder dar continuidade ao trabalho que foi iniciado aqui. Não
houve apresentações repetidas da música nem residências teatrais de "A Love Supreme" onde a banda se
esforçou ao máximo para maximizar as vendas. Em vez disso, Coltrane foi guiado muito mais por sua própria intuição, pelo que
ele sentia que era certo para o público.
De fato, em sua segunda noite em Antibes, Coltrane respondeu ao clima e tocou um conjunto mais enraizado em
músicas que agradavam à multidão, voltando a "My Favourite Things" e "Impressions". Por um longo tempo
"A primeira apresentação em Antibes na primeira noite foi
considerada a única gravação ao vivo de 'A
Love Supreme'. Agora se descobre que alguns meses depois, em 30 de setembro
de 1965 - na mesma sessão de gravação do lançamento póstumo de 1971 'Live In Seattle' - Coltrane tocou 'A Love
Supreme' novamente. A apresentação, realizada no clube SeattlePenthouse diante
de uma pequena plateia para o programa de jazz regular de quinta-feira à noite
de Jim Wilke na rádio local, soa
mais como música da parte posterior da década de 1960: executada por músicos em
dashikis, não em ternos.
A banda é ampliada (o quarteto é
acompanhado pelo baixista/flautista Donald
Garrett e pelo saxofonista Pharoah
Sanders), mas também a música, como se janelas adicionais tivessem sido
instaladas em um edifício já espaçoso e sereno.
Quatro interlúdios,
principalmente com duelos de baixos mais o ocasional sino de oração,
proporcionam uma visão adicional da espiritualidade. Elvin Jones fornece um balanço clássico e engenhoso durante toda a
apresentação, mas um novo senso de informalidade ao nível do tapete permeia a
música.
A percussão é sacudida durante os
20 minutos de 'Acknowledgement'. Os
acordes de McCoy Tyner flutuam à
vista. A performance de Coltrane
responde ao clima com contribuições relativamente beatíficas, permitindo a Pharoah Sanders espaço para falar em
línguas mais vigorosas. Chegando aos 15 minutos de tratamento de 'Pursuance', o solo de Tyner esclarece as semelhanças e
diferenças.
Ainda é uma música com muita
virtuosidade e muitas notas, mas ela e seus músicos estão vivendo sua
adaptabilidade, como a evidência revela tudo o que acreditávamos anteriormente
que essa composição fosse, uma confluência de improvisação livre e o que
posteriormente se tornou o 'jazz espiritual'.
No final da sessão, pode-se ouvir
um trecho de conversa. "Acho que é isso..." "... Melhor que
seja." Talvez inevitavelmente, no entanto, isso não foi o fim da busca de Coltrane, nem mesmo para essa semana.
No dia seguinte a esse show, ele
levou seus músicos da noite anterior (acrescentando Joe Brazil, que gravou o show) para o estúdio do baterista de
música country e western de Seattle, Jan
"Kurtis" Skugstad. Eles gravaram uma sessão lançada após a morte
de Coltrane, o álbum 'Om', que apresenta um cântico do Bhagavad Gita
O DJ de rádio Jim Wilke relembra o concerto.
Como você estava nesse show?
Eu estava na estação de rádio KING-FM em Seattle, trabalhando em várias programações, divulgada como uma
'mostra das artes vivas'. Uma das atrações era uma transmissão ao vivo semanal
de um clube chamado Penthouse. Era
um espaço longo e estreito, o palco à esquerda ao entrar, com um degrau elevado
e teto espelhado sobre o palco. Basicamente, era destinado a assentos em torno
de mesas de coquetel.
Como foi a apresentação?
Coltrane nunca falou com a plateia, ele simplesmente
ficava de pé e tocava. Quando fiz a introdução ao vivo, e Pharoah Sanders fez os primeiros sons, ele estava rangendo e
chiando, e eu me virei para ele e disse: 'Cara, eu não sei o que você está
fazendo, mas estamos no ar.' Eles estavam tocando, e Coltrane veio até onde eu estava mixando e fez um sinal para os
fones de ouvido. Ele acenou a aprovação e me disse: 'Isso provavelmente vai
durar mais de 30 minutos.”
O que você achou da performance?
Tanto eu quanto muitos na plateia esperávamos mais daquela faceta de John Coltrane do que a que eles viram.
Eles ficaram meio atordoados. Foi minha primeira experiência com jazz livre ao
vivo, e eu ainda estava tentando entender. Acho que muitas pessoas também
estavam.
